그림 속 정원을 거닐다

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일년 중 가장 밝고 활기찬 정원을 만들 수 있는 5월입니다. 시시각각 움직이는 자연을 묘사하고 기록하던 인상주의 작품 속엔 유독 꽃과 나무, 정원 그림이 많죠. 오늘 소개하는 인상주의 그림 속에서 화려하고 풍성한 5월의 정원을 산책해 보세요.


인상주의의 거장 클로드 모네는 이렇게 말했습니다.

"저는 언제나, 늘 그리고 항상 꽃을 그릴 것입니다."



The Little Gardener, Frédéric Bazille, c. 1866–1867


1870년 프로이센-프랑스(보불)전쟁 중 29세의 나이에 일찍 사망했음에도 불구하고, 프레데릭 바질은 프랑스 인상주의의 대표적 인물 중 한 명으로 기억되고 있습니다. 1860년대 파리의 한 내성적인 의대 학생이었던 그는 미술 수업을 듣고 곧 모네, 시슬리, 르누아르 같은 사람들과 어울렸습니다. '인상주의'라는 용어가 만들어지지 않았을 때부터, 그는 이 급진적인 예술 공동체의 일원으로 그 후 몇 년을 보냈습니다. 부유한 집안에서 태어나 모네와 르누아르에게 재정적 지원을 제공할 수 있었고, 노르망디와 퐁텐블루에서 그들과 나란히 그림을 그렸습니다. 그는 주로 '일상의 삶'을 그렸고 야외나 자연 속에서 일하는 것에 대해 관심이 있던 인상파 화가들과 서로의 모델이 되어 주며 그림 그리는 것을 공유했습니다. 하지만, 바질의 많은 작품은 다른 인상파 화가들보다 스튜디오 안에서 만들어진 것이 많고 실제 모습을 묘사하는 스타일이 강했습니다. 즉, 그 자체를 위한 풍경보다는 인물이나 사물에에 더 신경을 쓴다는 점에서 그의 작품이 종종 쿠르베트 같은 화가들의 '현실주의'에 가깝다고도 이야기하곤 합니다.



Women in the Garden, Claude Monet, 1866


클로드 모네는 빌 다브레에서 미래의 아내 카밀을 유일한 모델로 삼아 '정원 속의 여성들' 작품이 그려졌습니다. 이 대규모 작업의 목표는 함께 그려진 모델이나 화려한 옷을 고려하기보다 실외 조명을 얼마나 실제처럼 그릴 것인지 효과를 내는 데 있었습니다. 나무의 잎 사이를 꿰뚫는 햇빛의 반짝임부터 섬세한 그림자, 투명한 드레스 소매 사이로 보이는 따뜻한 살결까지. 모네는 이 장면에 들어왔던 자연광을 통한 효과를 자세히 묘사합니다. 1867년 1월, 그의 친구이자 동료 인상파 화가인 프레드릭 바질은 당시 모네가 겪고 있던 극심한 빚으로부터 모네를 돕기 위해 2,500프랑에 이 작품을 구입했습니다.



The Cherry Picker, Berthe Morisot, 1891


1876년 봄, 파리에서 두 번째 인상파 전시회가 열렸습니다. 이 때 한 날카로운 비평가는 참가자들을 향해 "5-6명의 미치광이들 중 하나는 여자이다"라고 묘사했습니다. 그 여자는 물론 베르트 모리조였습니다. 그녀는 여성이라는 성별에도 불구하고 19세기의 가장 유명한 예술 운동(인상주의)의 주도적인 인물이 되었습니다. 그녀의 별명은  "미치광이" 그 이상이었어요. 모리조는 23살에 살롱에 합격하면서 예술적 재능을 키워 어린 나이에 성공을 거두었고, 그녀가 죽을 때까지 프랑스 화가들의 선두에 서서 높은 지위를 놓지 않았습니다. 여성이라는 이유로 당시의 자기의 능력을 어필할 수 없었던 사회적 관습에 의해 남자 화가들과 같은 주제를 추구하는 것은 쉽지 않았습니다. 그래서 모리조는 30년 이상 예술가로서 자신의 독자적인 영역을 개척할 수 있는 여성화, 아이들, 가정과 같은 주제를 통해 명성을 얻었습니다.



A Corner of the Garden at the Hermitage, Pontoise, Camille Pissarro, 1877


1874년에서 1886년 사이에 조직된 8개의 인상파 전시회에 모두 전시된 유일한 화가인 카미유 피사로는 인상주의파의 중추적인 예술가이자 멘토가 되었습니다. 인상파 화가들은 도시 거리와 시골의 여가를 묘사한 것으로 유명하지만, 피사로는 캔버스에 프랑스 농민들의 일상 생활을 담았습니다. 그가 했던 가장 위대한 일은 빛과 대기의 다른 조건하에서 자연에 대한 경험적 연구를 바탕으로 시골의 풍경을 그리는 것이었습니다. 세잔, 고갱 등 15명의 야심찬 예술가들로 구성된 인상파 화가 집단은, 빛이 자연에서 색에 미치는 영향에 대한 섬세한 연구를 했습니다. 그는 나이가 들어서도 동료가 될 젊고 진보적인 예술가들을 계속해서 찾았고, 그의 후기 작품에서 과학적 색채 이론을 표현하는 것은 다음 세대의 전위적인 화가들에게 없어서는 안 될 업적입니다.



The Public Gardens, Edouard Vuillard, 1894


에두아르 비야르는 나비파로 알려진 상징주의파의 멤버입니다. 하지만, 그는 강하고 대담한 상징주의의 신비적인 표현에 덜 끌렸고 시, 음악, 연극, 그리고 오컬트에 대한 철학적인 토론으로 가득 찬 멋있는 사적인 장소들에 더 끌렸습니다. 인테리어와 가정적인 장면의 그림을 좋아해 친구 피에르 보나르와 함께 흔히 '앵티미스트(앵티미즘 intimisme)'로 일컬어집니다. 그는 이 "앵티미스트" 작품들 중 일부를 소규모로 작업했고, 작품을 의뢰한 사람들의 인테리어를 위해서는 훨씬 더 큰 규모로 작업했습니다.



The Luncheon on the Grass, Édouard Manet, 1863


이 작품은 1863년 낙선전(The Salon des Refusés)에서 가장 많이 언급되었습니다. 이 그림은 전시에 참석한 부르주아 후원자들뿐만 아니라 전시를 주최했던 나폴레옹 3세 황제에게도 큰 충격을 주었어요. 마네의 구성은 르네상스 시대의 영향을 미치지만, 관점을 완전히 무시하고 부자연스러운 원근법을 사용해 르네상스 스타일의 핵심 가치를 떨어뜨렸기 때문이죠. 사실, 대중이 분노한 원인은 부르주아로 보이는 두 명의 잘 차려입은 남자들과 여신이 아닌 평범한 여성의 누드가 함께 그려졌기 때문입니다. 그녀가 정면을 바라보는 시선은 관람객들을 관능적으로 사로잡지만, 마네는 이를 통해 사회 또한 직면하고 있으며, 적절한 윤리적, 예술적 경계에 도전했습니다.

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